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Qué ver en el cine: “Backrooms: sin salida”, thriller de acción y el nuevo filme de Almodóvar | El Universal
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“Backrooms: sin salida” es una película que, de alguna manera, surgió en internet. Ahí, donde todo convive y todo puede parecer cierto desde la perspectiva de quien lo ve o lo lee, comenzó a desarrollarse la idea de cuentos de terror inspirados en una oficina vacía e iluminada. Hubo quien dijo era un lugar idóneo para brincar al vacío sin retorno, el que aseguró que traslada a otras dimensiones o el que soñó estar con un lugar así.
Uno de esos creadores fue Kane Parsons, un joven de apenas 21 años, youtuber e influencer, que ha hecho cortometrajes de backroom en youtube y la ha roto.
Esto le dio la confianza para saltar al cine y entonces creó “Backroom: sin salida”, donde todo comienza con una misteriosa puerta que aparece en una mueblería y todo lo que ello conlleva.
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Chiwitel Ejiofor (“12 años de esclavitud”) se sumó al elenco, lo mismo que Renate Reinsve, recién nominada al Oscar por su trabajo en “Valor sentimental”.
Lo que podría parecer una historia floja, que todo mundo puede saber en qué terminará, tiene justo en esa simpleza su éxito. Porque es también un viaje a un lugar donde no hay reglas y en el que la lógica y el tiempo no existen.
“Es ese tipo especial de terror que te deja con los hombros erguidos mientras ves a un hombre deambular por un espacio vacío y anticipas lo que podría suceder. Un Ejiofor frenético y una Reinsve estoica dan peso a la historia, y los equipos técnicos crean un espectáculo visual alucinante del que no puedes apartar la vista”, dice la crítica de la revista de género Fangoria.
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Hay quien le han dado a la cinta reminiscencias del cine de David Lynch (“Twin Peaks”) y David Cronenberg (“La mosca”), claro, guardando distancias y con algo más moderno.
“Con sus horribles malformaciones, tanto arquitectónicas como orgánicas, también se siente como una crítica al ridículo auge del arte cutre creado con IA. Es, sin duda, un viaje al corazón del valle inquietante”, expresa Time Out.
El realizador ha dicho que para el look visual del filme y de los set se basó en el videojuego Portal, en el que hay zonas interconectadas por pasillos, a los cuales se va accediendo gracias a inteligencia, aunque quizá se sepa que jamás se saldrá de ahí.
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A Aaron Taylor-Johnson lo han querido posicionar como actor de acción desde hace tiempo. Participó en “Kraven, el cazador”, en una cinta de antihéroe, pero también protagonizó “Profesión peligro” y “King’s man: el origen”, con resultados diversos en taquilla y crítica.
Ahora encabeza “Zona de riesgo”, una película en la que no hay engaño: una historia en la que unos obreros de la construcción encuentran una bomba de la Segunda Guerra Mundial en Londres y, mientras un equipo intenta desactivarla, otro grupo planea el mayor atraco de la historia.
La dirección recae en David Mackenzie, realizador de “Sentenciado antes de tiempo” y “Enemigo de todos”.
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Deadline asegura que el público verá dos películas en una: una centrada en la desactivación de una bomba y otra en la planificación de un robo.
“Sorprendentemente, ambos géneros funcionan de maravilla juntos. La clave reside en un gran reparto cuyos miembros saben muy bien de qué trata el proyecto, y cabe destacar a Taylor-Johnson, efectivamente el héroe de la película, pero no por las razones que uno podría pensar”, apunta.
Por su parte, The Wrap destaca el trabajo del director detrás de cámara.
“Mackenzie, como técnico, brilla con luz propia, alternando entre diferentes tramas y escenarios y creando una fluidez visual impecable entre ellos, a la vez que mantiene la coherencia espacial de las escenas de acción, prestando especial atención a las relaciones entre los personajes”, argumenta.
Una mención especial de la semana es para la nueva película de Pedro Almodóvar, que como es habitual en su carrera ha generado dos posturas marcadas: quienes la consideran una obra destacada y quienes la ven como una propuesta repetitiva.
En esta ocasión, el realizador manchego transita entre dos años: 2004 y 2026. En el primero, una cineasta de culto (Bárbara Lennie) ha tenido que recurrir a la publicidad para sobrevivir, además de enfrentar la muerte de su madre; en el segundo, un director (Leonardo Sbaraglia) atraviesa una sequía creativa mientras escribe precisamente la otra historia.
“Es hiper personal, pero también reiterativa, por más que el director desde el guion lance dardos antes de que lo tilden de poco autocrítico”, considera Clarín.
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“La superposición entre la vida y el arte resulta decepcionantemente apagada, se percibe como una construcción analítica tortuosa, en la que Almodóvar, normalmente el más generoso de los artistas, reflexiona en su propia mente en lugar de invitar al público a compartir la experiencia”, apunta The Hollywood Reporter.
“Hay mucho que disfrutar: en sus interpretaciones vibrantes y llenas de vida, en su característico diseño visual llamativo y en su narrativa paralela, profundamente metatextual, sobre artistas que persiguen su vocación, a veces con consecuencias nefastas”, sentencia Variety.
Sandra Bullock y Nicole Kidman fracasaron en taquilla. A unas semanas de su estreno en cines, la secuela de Hechizo de amor apenas y recaudó unos 100 millones de dólares alrededor del mundo, contra los 75 millones que costó su producción. Podría decirse que hasta perdió dinero, pues no se contabiliza lo gastado en publicidad.
Pero estas cifras no sorprenden. Hollywood se ha empeñado en relanzar nuevas entregas de cintas que se estrenaron hace 20 años o más, esperando que vuelvan a ser negocio por el cariño que les tuvo el público. Y no ha sido así. Los números han estado por debajo de la expectativa.
Este año ya salió la secuela de El diablo viste a la moda que recaudó 693 millones de dólares alrededor del mundo y costó unos 100 mdd, más los gastos de publicidad. Esto significó recibir cuatro dólares por cada uno invertido, menos de la mitad de lo conseguido por su antecesora en 2006.
Una proporción similar registró el año pasado Otro viernes de locos, estrenada 22 años después de la inicial, Un viernes de locos.
Años antes, en 2016, se estrenó el Día de la Independencia 2, dos décadas después de la estelarizada por Will Smith y le fue pésimo, logrando apenas obtener en cines del doble de su presupuesto. ¿Cuál es la razón?
“Sólo quieren repetir algo que ven como fórmula, es decir, la película original, pero precisamente lo que funcionó de las primeras es que no seguían una”, considera Fabiola Santiago, crítica en Cinepremier.
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“El asunto con casos recientes es que han desperdiciado su potencial. En lugar de saber leer el núcleo de las originales y dejar que los personajes y situaciones evolucionen de manera natural, se vuelven malas réplicas de sí mismas”, abunda.
El diablo viste a la moda 2 fue esperada por 20 años, recaudó 693 mdd. Foto: 20TH CENTURY STUDIOS
Al parecer los grandes estudios son optimistas en torno al valor de las secuelas. Dentro de unos días (en noviembre) llegará La nueva Focker, con Ben Stiller y Robert de Niro a la cabeza, aprovechando la historia que inició en 2004 y siguió en 2010.
¿Algo más? Recién se han dado a conocer los avances en los procesos de las nuevas entregas de El diario de la princesa, con Anne Hathaway, y Días de trueno, con Tom Cruise, cuyas historias originales dormían en el olimpo del cine histórico desde 2001 y 1990, respectivamente.
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La explotación de la nostalgia no es nueva en Hollywood, pero hasta hace algunos años era un recurso ocasional y con títulos definidos, como fue en su momento la saga Star Wars, cuya última trilogía fue reprobada por los fans.
Un ejemplo exitoso fue Creed, que aunque retomó un personaje ochentero de la saga de Rocky, los escritores le crearon un nuevo universo con sus descendientes y situaciones propias.
La primera entrega de 2015 costó 35 millones de dólares, pero captó 174 en taquilla; las siguientes dos aumentaron la recaudación con presupuestos un poco mayores.
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Pero tras la pandemia las cosas cambiaron, tanto en los hábitos de consumo de contenidos como en la elección de éstos, y los productores escarban entre sus archivos lo que puede rescatarse y actualizarse esperando que los fans, muchos de ellos ya con poder adquisitivo, respondan favorablemente en taquilla a sus propuestas.
Voces como la de Steven Spielberg han intentado frenar el fenómeno. Recién el director de Tiburón y El día de la revelación advirtió que de no cambiarse el rumbo, habrá crisis en la llamada Meca del Cine.
“Si todo lo que hacemos son franquicias y marcas ya conocidas, nos vamos a quedar sin fuerzas. No hay nada más importante que dar al público historias visuales, y estas pueden adoptar cualquier forma, pero necesitamos contar más historias originales, sorpresas”, destaca el cineasta.
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Para Stivi de Tivi, comentarista de cine en Grupo Fórmula y MVS, se está viviendo una contradicción, porque por un lado se está apostando a esas viejas glorias, pero por otro viene un cine pujante independiente, sobre todo en el género del terror, al que muy posiblemente no se le está dando su real reconocimiento.
Ejemplifica con Pecadores, La hora de la desaparición y Obsesión, esta última que tuvo un presupuesto menor al millón de dólares, pero recaudó más de 500 millones en todo el mundo.
“No creo que Hollywood se haya quedado sin ideas, más bien tiene miedo a arriesgarse, no tiene una crisis de imaginación, sino de falta de valentía; una secuela tiene reconocimiento inmediato y ya conocemos a los personajes y su universo, siendo más fácil de lograr que el público asista. Pero se ha demostrado que las historias nuevas funcionan”, opina.
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“Nada más bello, ni más lujoso, tan poderoso como un gran auto nuevo y junior lo admira y se imagina que su auto nuevo es un caballo blanco y él se siente un rey valiente, tan orgulloso que nada lo detiene…
“Un niño no puede el auto esquivar, solo se oye un grito, golpe y nada más, demasiada sangre en esta ciudad”, así ha retratado la desigualdad social La maldita vecindad y los hijos del quinto patio desde 1985.
Aunque han pasado más de cuatro décadas, Enrique «Pato» Montes, guitarrista y compositor de la agrupación ve con tristeza cómo las letras que escribió junto a Rolando «Roco Pachukote» Ortega y Aldo Acuña siguen siendo la realidad actual de nuestro país.
“México se ha convertido en una de las potencias económicas en desarrollo más fuertes pero, por otro lado, también siguen existiendo todas estas polarizaciones que es el reflejo de los grupos sociales”, comenta el músico.
“Por eso las canciones siguen tan vigentes, hablan acerca de estas clases sociales tan distanciadas, encontradas y que siguen subsistiendo desafortunadamente”.
En cambio, dice Pato, ha visto un avance en la escena del rock, a diferencia de cuando los músicos iniciaban su camino y sus canciones eran hasta censuradas. Pero no ha sido gratuito; se debe a la lucha conjunta de La Maldita Vecindad y otros exponentes del rock mexicano.
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Ahora, los intérpretes de “Pachuco” y “Un gran circo” han ganado terreno y se pueden permitir tocar en espacios como el Zócalo o la Arena Ciudad de México en donde este viernes se presentarán con su espectáculo Día de Muertos en la Vecindad: Ofrenda a los Ancestros.
Si algo caracteriza los shows de esta banda son los mensajes permanentes en pro del medio ambiente y la defensa de las raíces nacionales, algo que Pato considera primordial sobre todo en fechas como esta en la que el Halloween se ha impuesto.
“Nos debe dar orgullo porque tenemos un linaje, un sentido de pertenencia, una cultura que sustenta este pueblo que somos los mexicanos, una cultura ancestral desde toda la vida que nos da este sentido de pertenencia”.
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Este año 15 largometrajes mexicanos ganaron un lugar en la próxima edición de Feratum, festival de cine de género, pero el número es pequeño si se ve en perspectiva con todo lo que se produce localmente.
Eso dice Miguel Ángel Marín, director y fundador del certamen que ahora se realizará del 12 al 15 de noviembre en Pátzcuaro, Michoacán.
“Nos vemos cortos frente a países como España o Argentina donde se generan mucho mayor número de películas. Si se producen 200 películas al año, lo de género es muy poco.
“Todavía hace falta que mucha gente de la industria le tenga confianza al género, todavía hay gente que evalúa con prejuicios sobre el género”, reflexiona Marín.
Este año sólo un puñado de cintas locales de género han llegado a cines, entre ellas Un cuento de pescadores, con la leyenda de sirenas de Michoacán, El ritual del nahual y la animación La venganza del Charro Negro que en su primer fin de semana ya superó el millón de asistentes en cines.
Pese a una baja producción, Marín considera que hay un talento que debe apoyarse y por ellos Feratum tiene su parte de industria.
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“Ha habido buenos ejemplos en cines lo que hace falta es confianza de todos y hay un gran consumidor. Ahora hay, creo, muchos directores que eran de clóset y lentamente han ido saliendo”, comenta entre risas.
Con más de 100 filmes, entre largo y cortometrajes procedentes de 25 países, Feratum llega a sus 15 años de vida.
En la selección oficial de largo mexicano se encontrarán, entre otros títulos, Amor de madre con Verónica Merchant y Andrés Delgado; Eterno retorno, protagonizada por Luis Alberti y The nation, con Bárbara Islas.
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La española Bajo tus pies con Maribel Verdú será la encargada de abrir actividades del certamen; mientras que Pacífico con Manolo Cardona y Christopher von Uckermann, en el género de ciencia ficción, será la responsable del cierre oficial.
La temática de este año serán las brujas, pero no esas que dan miedo, más en esta etapa del año, sino que se da un giro a las mujeres que también son curanderas y quienes son parte arraigada de la cultura mexicana
“Me parece que el 15 es muy bueno para celebrar a las brujas curanderas chamanas que ayudan a la comunidad, no son un símbolo maligno, sino alguien que posee conocimientos ancestrales”, expresa Marín.
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